Калуга, ул. Ленина, 104
(4842)562 830
Курсистка. Худ. Н.А. Ярошенко. 1883.

Передвижные выставки

Передвижные выставки из фондов Калужского музея изобразительных искусств


1. Выставка «Пейзаж. Точка зрения».

Пейзаж, как полностью самостоятельный жанр, сформировался относительно недавно и за несколько сотен лет претерпел множество трансформаций и переосмыслений. В представленной экспозиции зрителю предлагается познакомиться с разнообразием мироощущений, с индивидуальными и самобытными точками зрения художников. Многие, оставаясь в рамках реалистического искусства, создают своё образное видение природы, своё к ней отношение, и выражают это в сюжетах, в выбранных мотивах. Другие выходят за рамки реализма, отдавая предпочтение формальным решениям.

Пейза́ж (фр. Paysage, от pays — страна, местность) — изображение первозданной, либо преобразованной человеком природы, жанр изобразительного искусства. До того, как пейзаж заявил о себе, как об отдельном жанре в мировом искусстве, он выступал в роли «декораций» к жанровым произведениям, к портретам. В 17 веке художники все чаще начинают не просто обращаться к мотивам природы, а зачастую наделяют их большей значимостью, в результате чего очень скоро пейзаж становится самодостаточным и полноценным героем картины. Но художники смотрят на мир особым взглядом, преображая окружение, наделяя его идеализированными чертами, в результате чего природа на их полотнах приобретает патетическое звучание.

Девятнадцатый век вносит свои коррективы в реалии художественной жизни – художники выходят на улицы и начинают писать природу непосредственно с натуры, они отказываются от театральности и идеализации, выступая за правду жизни в изобразительном искусстве. В их полотнах в качестве главного действующего лица выступает не только мотив, но и конкретное состояние природы. Необходимо отметить, что во многом причиной для таких значительных перемен становится прогресс, коснувшийся сферы искусства, и связано это было с появлением красок в тюбиках, что в значительной степени облегчало художникам жизнь и позволяло им без особых препятствий покинуть свои мастерские и выйти на пленер. Но и на этом эволюция пейзажа не останавливается, и художники, входя уже в 20й век, не прекращают своих поисков новых средств самовыражения. Опираясь на опыт предшественников, переосмысляя их творчество, они ищут и находят себя в пейзаже, но уже в новых живописных направлениях, сквозь новую призму мироощущения. Одни из них остаются в прежних границах реалистической живописи, другим в этих реалиях становится тесно, и они выходят за рамки окружающего их мира, беря за основу натурные впечатления и превращая их в яркие, порою фантасмагорические, образы.

Данная выставка знакомит с произведениями русских художников 20-21 веков. Для каждого из представленных авторов пейзаж – это прежде всего образ Родины, родного края, где каждый вносит свой настрой в этот образ: где-то это тишина и покой отдаленной глуши, как в картинах Ефрема Зверькова и Витольда Бялыницкого-Бируля, где-то радость жизни при виде близких сердцу излюбленных мест, как, к примеру, у Иосифа Павлишака или Кима Бритова, а где-то собирательный образ, как у Владимира Арепьева, Юрия Шишкова и Ольги Кузьминовой. Яркое тёплое и самобытное отношение к Родине выражают в своих полотнах Виктор Глухов, Виктор Иванов, Герасимов Сергей. Говоря о представленных направлениях в искусстве, стоит отметить, что произведения Иосифа Павлишака, Евгения Щербакова, Николая Ромадина несут в себе черты импрессионистической живописи. Эмоциональны и экспрессивны работы таких авторов, как Ирина Старженецкая, Владимир Давыдов, Важа Окиташвили. Многие из картин по своим ярким цветовым и композиционным решениям отсылают нас к традициям русского авангарда начала 20-го века.

Экспозиция предлагает не только созерцать, но и сравнивать между собой представленные произведения. Но сравнивать не в ключе "лучше или хуже", а в том, насколько каждый художник индивидуален, неповторим и узнаваем, как различаются авторы разных поколений с разными точками зрения на пейзаж и на искусство в целом.


2. Выставка «Городской пейзаж».

Калуга, основанная более 600 лет тому назад, стала одним из красивейших городов Средней полосы России. За годы своего существования город сильно изменил свой облик, однако и сегодня сохранились целые кварталы, в которых постройки являются памятниками архитектуры прошлых веков. Жители Северной столицы находят здесь много общего со старым Петербургом, а москвичам отдельные уголки Калуги напоминают виды Москвы начала XIX века. Художественный облик Калуги сложился в конце XVIII– начале XIX века, когда планировкой города руководили выдающиеся архитекторы: П.Р. Никитин, И.Д. Ясныгин, Н.Ф. Соколов. Значительная часть архитектурных ансамблей и городских усадеб выстроена в стиле русского классицизма.

Представленные на выставке виды Калуги создавались художниками нескольких поколений. В экспозицию вошли работы, пропитанные неподдельной любовью авторов к городу, его атмосфере и архитектуре. Выставка объединяет разностильные произведения мастеров графики, созданные в период с 1919 по 2009 г. Заснеженные скверы и дворики сменяют залитые солнцем улицы, светящаяся жемчужными переливами акварель соседствует с динамичными композициями и необычными ракурсами гравюры. В экспозиции представлено 39 графических произведений, выполненных в разной технике: акварели, гуаши, офорте, линогравюре.

Неброский сюжетный мотив и сдержанная цветовая гамма отличают акварель "Дом художника А.А. Ростиславова в Калуге" кисти Александра Михайловича Покровского. Жизнь и творчество автора этого небольшого произведения тесно связаны с нашим городом. Покровский жил и работал в Калуге на протяжении ряда лет, с 1926 по 1932 гг. был членом Калужского филиала Ассоциации художников революционной России (АХРР).

Прекрасным образцом офортной техники является одна из самых ранних работ на выставке – "Каменный мост в Калуге" Матвея Алексеевича Доброва. Творчество этого блистательного мастера гравюры по металлу сочетает в себе камерность и лиричность станковой графики с точностью научного рисунка. Художественное наследие Доброва стало классикой русской графики первой половины ХХ века.

Всеволоду Николаевичу Левандовскому в линогравюре "Дом Золотарёвых в Калуге" удалось убедительно передать своеобразие калужской городской усадьбы, достигнув этого минимальными средствами: обобщением форм, сочетанием пятен с энергичным штрихом. Декоративный облик гравюры усиливает введение в композицию двух женских фигур в старинных одеждах. Это одна из немногих работ талантливого художника, посвятившего всю свою жизнь делу сохранения художест­венных ценностей.

Удивительно достоверно передана душа города, его атмосфера в акварелях калужского художника Леонида Евгеньевича Межекова: "Площадь Ленина в Калуге", "Сквер Мира", "Угол площади Ленина и улицы Революции в Калуге", "Памятник на могиле К.Э. Циолковского". Межеков был неизменным участником всех художественных выставок калужских художников, начиная с первой из них в 1923 г., а в 1935 – 1937 гг. работал заведующим художественного отдела Калужского краеведческого музея.

В середине 1970-х гг. Филипп Николаевич Ёлгин создаёт целую серию гравюр с видами Калуги. На счету художника не один десяток графических произведений, посвящённых архитектурным образам нашего города. Его работы – это своеобразная энциклопедия достопримечательностей Калуги, исполненная в экспрессивной технике линогравюры ("Дом-музей К.Э. Циолковского", "Обелиск на могиле К.Э. Циолковского", "Памятник К.Э. Циолковского в сквере Мира в Калуге", "Ракета").

В тот же период московский график Гурий Филиппович Захаров исполняет в технике офорта сюиту "Семь видов Калуги", смело используя при этом фрагментарность композиции, выбирая такие ракурсы и мотивы, которые дают возможность автору усилить личную трактовку сюжета ("Зима в Калуге", "Вид на Ромодановские дворики").

Заповедные места Калуги с её храмами, с уже не существующими старыми зданиями и маленькими улочками нашли своё творческое воплощение в работах известного художника-акварелиста Сергея Николаевича Андрияки ("Белый храм", "Улица Достоевского в Калуге", "Дождливая погода"). Его пейзажи – это камерные, поэтичные уголки, которые согревают душу и радуют глаз.

Творчество Ирины Николаевны Камышанской отличается многообразием сюжетов и выразительных средств. Щедро наделённая ярким и неисчерпаемым художественным воображением, она постоянно находится в творческом поиске. Камышанская предлагает свой, отличный от других образ нашего города ("…И тихо падал снег", "У истоков космонавтики", "В Новолетие").

Работам Александра Павловича Шубина свойственен высокий уровень технического мастерства. Обращение к историко-архитектурным мотивам для него означает возможность средствами пейзажа раскрыть тему большого философского звучания ("Направление поиска", "Победа!").

Неразрывна связь современного человека с культурой прошлых веков. Художники традиционного направления, в зависимости от своих творческих задач, избирают различные варианты изображения города, но при этом они всё чаще обращаются к изображению памятников древнерусского зодчества, старинных усадеб, мемориальных ансамблей. В их числе – живописная акварель Николая Афанасьевича Любченко ("Церковь Спаса, что на рву"), наполненные воздухом офорты Дмитрия Ивановича Иванова ("Калуга. Зима", "Калуга. Серый вечер"), яркие, декоративные листы Валентина Михайловича Денискина ("Калужский дворик", "Гостиные ряды", "Палаты Макаровых").

Экспонируемые произведения графики сохранили энергию личного восхищения художников нашим городом. Изображённые здесь здания и скульптурные памятники давно стали символами Калуги: Каменный мост, Палаты Макаровых, Гостиные ряды, усадьба Золотарёвых, памятник К.Э. Циолковскому… Каждый памятник заставляет нас по-новому оценить и воспринять наше прошлое.


3. Выставка «Современная русская гравюра».

Коллекция традиционной русской гравюры из депозитария Российского фонда культуры была передана в дар музею в ноябре 2003 года. Это самый крупный вклад в музейное собрание за последние два десятилетия – сто пятьдесят произведений, исполненных лучшими мастерами современной русской гравюры. Коллекция интересна, прежде всего, тем, что авторы работ сохраняют классические традиции этого филигранного искусства. Создавая свои произведения, они возвращают времена сложной, кропотливой и трудоёмкой работы художника, когда подлинность создаваемого была для творца важнее скороспелого результата. Особенно поразительно это сегодня, в век сверхскоростных технологий.

Зарождение гравюры в России связано с именем Петра Великого, который привёз в своё время из Голландии художника Шхонебека. Его ученики и последователи Алексей Зубов и Михаил Махаев способствовали расцвету русской гравюры. Российские мастера современной классической гравюры возрождают традиции Дюрера и Кранаха, Зубова, Махаева, Митрохина и других. Создание гравюры – чрезвычайно тонкая, долгая и тщательная, поистине ювелирная работа. В гравюре существует великое множество видов. Представленная коллекция даёт возможность познакомиться с произведениями, выполненными в древних, традиционных техниках – резцовой гравюре на меди, обрезной гравюре на дереве, офорту и других. Значительная часть произведений посвящена русской истории и памятникам русской культуры. И это не случайно, так как возрождение классических традиций всегда связано с возрождением памяти о шедеврах прошлого.


4. Выставка «Лидия Ольшанецкая. Живопись. Графика».

Основой для выставки стали 22 работы, которые в 2017 году передала в дар музею дочь художницы московская художница, представительница известной творческой семьи Марина Файдыш.

Лидия Ильинична Ольшанецкая родилась 1924 году в Москве в семье архитектора. Творческая семейная атмосфера способствовала ее стремлению рисовать с детства. Окончила художественную школу и в 1940 году поступила в Московский художественный институт имени В.И. Сурикова, обучение в котором завершила в 1946 году как театральный художник. Была стажером в Большом театре. Затем многие годы работала в качестве художника в театре кукол, ныне носящем имя С.В. Образцова. Работала так же в живописном комбинате. Участвовала в различных художественных выставках в России и за рубежом. Краткая биографическая справка отражает лишь внешнюю сторону напряженной творческой жизни, прерванной смертью в 1979 году. Многие замыслы остались не осуществленными.

Количественно ограниченная выставка произведений, переданных в Дар Калужскому музею изобразительных искусств членами семьи художницы, в целом вполне отражает основные направления ее творчества, как в живописи, так и в графике. Основное достоинство представленных работ - это их высокий профессиональный уровень и оригинальное решение художественных задач, в каждом случае в соответствии с авторским замыслом. Л.И. Ольшанецкая успешно работает в различных техниках, и трудно сказать какой из них отдает предпочтение.

Свое мастерство театрального художника автор хорошо проявила в выполненных в 1949 году эскизах к спектаклю «Детство Горького». Пять небольших по размерам композиций интересны не только композицией и колоритом с его плотной красочной гаммой, но и в этнографическом отношении, знанием провинциального мещанского быта в его историческом прошлом. Это выдержанный с честью экзамен на творческую зрелость. В том же году появляется еще один живописный интерьер – картина «В комнате», привлекающая внимание своей поэтизированной обыденностью. Обычная обстановка деревенского дачного дома, со столом покрытым белоснежной скатертью и стоящем на нем букетом цветов. Сказано здесь больше того, чем изображено кистью.

Различны по своему характеру пейзажи. Очень свежо и не принужденно, крупными мазками, фактурно, написан «Дом напротив» в 1961 году. Хорошо найденными цветовыми сочетаниями отличается «Пейзаж с соснами», 1973 года. Такой же декоративны характер имеет «Тарусский пруд», 1976 года. Но, вероятно, самым примечательным оказывается датированный в 1974 годом пейзаж «Зимнее солнце», с выразительным силуэтом голых деревьев у старых деревянных построек. И здесь пастозная живопись создает впечатление большого внутреннего напряжения. Казалось бы обычный «дворовый» мотив представляет опоэтизированным живым чувством мастера.

Не менее разнообразны и графические работы. Особое место занимает карандашный «Женский портрет», 1955 года, с погрудным изображением пожилой женщины. Преобладают выполненные в технике акварели натюрморты. Самый ранний из них, 1956 года, «Анютины глазки» засвидетельствовал умение художницы работать с применением «живописных пятен» добиваясь тонкого цветового звучания. Целая серия с изображением различных цветов («Фиалки», Цикламен белый», «Фиалка», «Герань», «Цикламен розовый») создана в 1978 году, за год до смерти, словно прощание с земной красотой. Все эти работы выдаются декоративностью в сочетании с изысканным колоритом: краски нанесены легкими полупрозрачными мазками, с умелым сопоставлением холодных и ярких тонов.

Отдельное место занимают акварель с темперой «Сказка «Красная шапочка»,1978 года, и цветная линогравюра «Сказка «Репка», 1976 года; последняя напоминает народный лубок с его яркой раскраской. Вполне вероятно, что это часть задуманного цикла.

Сколь ни разнообразны по своим сюжетам отмеченные произведения, - все они в равной мере несут отпечаток яркого индивидуального творчества человека, посветившего жизнь искусству. Л.И. Ольшанецкая явно не стремилась к крикливому успеху, и поэтому ее произведения овеяны скорее поэтическим восприятием окружающего мира. Обычно его не замечают те, кого привлекает экзотика. Художница любила и ценила красоту родного края и делала все от нее зависящее для раскрытия его привлекательности для других.


5. Выставка анималистических произведений «Птицы, зайцы, лисицы и другие…»

В экспозицию выставки входят редко выставлявшиеся произведения зарубежных, русских и советских художников, графиков, скульпторов и мастеров декоративно-прикладного искусства, работавших в жанре анималистики.

Коллекция собиралась на протяжении 100 лет и включает в себя произведения XVII – XXI вв.

Человек на протяжении всей своей истории соседствовал с животными, охотился на них, приручал. И изображения животных дошли до нас с той глубокой древности. Мы видим их в пещерах Испании и Франции, в уральских и сибирских писаницах, бытовых и ритуальных изделиях. Начиная с XVII века анимализм становится популярным жанром изобразительного искусства, когда главным в творчестве художника становится изображение животных. В произведениях западно-европейских художников А. Кёйпа, Ф. Ваувермана, К.  Гиймине, М. Моттрама и др. всегда ощущается заботливое присутствие человека. Многие художники, которые работали с натуралистическими изданиями, сочетали научный подход к изображению животных и художественное видение, эмоциональные состояние животных. Это хорошо видно в работах В. Ватагина, Е. Чарушина, В. Лебедева. Художники, иллюстрировавшие басни, В. Серов, А. Лаптев, В. Литвиненко, наделяли животных присущими людям чертами, поступками и переживаниями.

На выставке представлены произведения скульпторов-анималистов - В.А. Ватагина, Е.Г. Морозовой-Эккерт, А.В. Сотникова, С.М. Орлова и др., выполненные в разных материалах. Скульпторы работали на фарфоровых заводах и создавали не только авторские работы, но и модели для массового производства.

Мастера декоративно-прикладного искусства также работали в анималистическом жанре. Вырезанные из кости и камня работы холмогорских, тувинских и чукотских мастеров, знаменитые палехские, федоскинские, холуйские миниатюры, скульптуры богородских резчиков своими средствами передают необычность образов животных, их характеры, настроение.

Калуга, ул. Ленина, 104
(4842)56-28-30

Copyright © 2004-2019. Информация с данного сайта защищена авторскими правами.
Сделано в РА «Акцент»






Рейтинг@Mail.ru